Содержание

Введение

Глава 1.Поп-арт

1.1 Общие положения

1.2 Основные положения

1.3 Теория и разработки

1.4 Вывод

Глава 2: Представители поп-арта

2.1 Роберт Раушенберг

2.2 Рой Лихтеншнейн

2.3 Ричард Гамильтон

2.4 Энди Уорхол

2.5 Джаспер Джонс

2.6 Роберт Индиана

2.7 Джеймс Розенквист

2.8 Алекс Кац

2.9 Том Вессельман

2.10 Клас Олденбург

2.11 Дэвид Хокни

Заключение

Библиографический список

Список сайтов

Введение

Если меня спросить, какое направление в искусстве самое противоречивое, эпатирующее, умеющее ставить наравне повседневное и возвышенное, массовое и индивидуальное, уникальное и избитое, я без раздумий отвечу поп-арт.

«Восторг, вызванный поп-артом с момента появления первых его произведений на широкой публике, больше уже не утихал - сегодня же он велик, как никогда ранее. » ( Хоннеф Клаус)¹

Средства массовой информации и реклама это основные темы поп-арта, он доступен для широкой общественности. Телевидение, комиксы, плакаты – все это понятно и знакомо достаточно широкой целевой аудитории. Человек, принадлежащий к массовому обществу второй половины ХХ в. становился приобретателем, стремящимся к обладанию как необходимых, так и бесполезных вещей. Он постоянно пополнял, накапливал свой материальный мир. Социологи характеризуют такое индустриальное общество как общество массового потребления.

Можно с уверенностью говорить о том, что многие способы выразительности поп-арта встречаются и в настоящее время в различных графических проектах, рекламных плакатах, афишах и даже в дизайне интерьеров. Сейчас мы часто можем встретить людей на улице в одежде с использованием принтов поп-арта. Вот уж чего у поп-арта не отнимешь, так это стильности. Также работы смело используются для украшения квартир, теми кто, понимает и уважает современное искусство.

Как производителям и продавцам необходимо постоянно привлекать внимание потенциальных покупателей к своим новым товарам, так и художникам приходиться гнаться за новыми формами, материалами, приемами, любыми средствами привлечь внимание публики.

На примере творчества самых ярких представителей поп-искусства, таких как: Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Ричард Гамильтон, Энди Уорхол, Джаспер Джонс, Роберт Индиана, Джеймс Розенквист, Алекс Кац, Том Вессельман, Клас Олденбург, Девид Хокни - можно проследить за основными тенденциями и особенностями проявления выразительности данного направления. Несмотря на то, что объединял их источник вдохновения (глянцевые журналы, реклама, упаковка, телевидение, фотография), каждый художник вкладывал что-то свое, что-то неповторимое и характерное только ему.

В своей курсовой работе я бы хотела раскрыть, какими именно способами и методами выразительности направления поп-арт пользовались художники на примере их творчества.

Глава 1: Поп-арт

1.1 Общие сведения

Период 50-х – 60-х годов ознаменовался повышенным интересом к вопросам так называемой массовой культуры, в это же время возникает течение поп-арт.

ПОП-АРТ (англ. Pop-art, от popular art - общедоступное искусство) — направление, сложившееся сначала в модернистском изобразительном искусстве, а затем в различных сферах массовой культуры XX в. Поп-арт возник в США и Великобритании и окончательно отвоевал себе «место под солнцем» на международной выставке в Венеции (1964 г.), одержав победу над абстракционизмом.

Второе значение связано с англоязычным звукоподражательным рядом слова в значении отрывистый удар, хлопок, шлепок или производящее шокирующий эффект — представители направления используют образы продуктов потребления в качестве элемента художественного произведения.

Ричард Гамильтон — определил поп-арт следующими словами: "популярный, недолговечный, преходящий, дешевый, массовый, молодой, остроумный, сексуальный, шуточный, шикарный и Большой Бизнес".

Обратившись к миру вещей, созданных массовым промышленным производством, поп-арт быстро вошел в сферу современной массовой культуры и соединился с рекламой, дизайном, оформительским искусством. Отличительная особенность любой картины, скульптуры или в стиле поп-арт это бренды или образы массовой культуры.

Поп-арт вернул предмет в искусство, но это был предмет, не опоэтизированный художественным видением, а предмет нарочито бытовой, связанный с современной индустриальной культурой и, в особенности, с современными формами информации: печать, телевидение, кинематограф. Новые технические приемы, позаимствованные из промышленного дизайна и рекламы: фотопечать, использование диапроектора, включение реальных предметов, способствовали как «обезличиванию» индивидуальной творческой манеры художника, так и «раскрытию эстетической ценности» образцов массовой продукции. Одно из наиболее распространенных направлений в англо-американском искусстве середины XX века, оказавшее влияние и на искусство других стран. Одно из первых широкомасштабных проявлений пост-культуры, на основе которого, так или иначе, модифицируя его основные элементы и приемы, формировались многие художественные практики второй половины XX века. Один из наиболее ярких феноменов модернизма.

Выставочные залы Европы и США стали похожи на выставки поделок самодеятельных кружков народных умельцев и изобретателей, ведь техника поп-арта была исключительно разнообразна: живопись и коллаж, проецирование на полотно фотографий и слайдов, опрыскивание с пульверизатора, комбинирование рисунка с кусками предметов, и т.д.

Понятно, что критика относилась к такому искусству по разному, одни говорили о вырождении искусства или, на худой конец, обновленной форме натурализма, другие говорили о новом этапе в развитии искусства, называя поп-арт «новым реализмом» или «сверхреализмом». Многие отмечали на Международных эстетических конгрессах депрофессионализацию многих современных художников. Демократизм поп-арта критики отмечали в том , что зритель может стать героем произведения , если он входит внутрь него, присаживается на нем отдохнуть или видит свое отражение в зеркале, то есть принимает участие в той игре, которую ему предлагают.

Поп-арт нужно принимать как реальность и отдать должное изобретательности создателям произведений этого направления современного искусства, ведь для создания конструкций использовались новые достижения науки и техники.

После второй мировой войны в Америке сформировался большой социальный слой людей, зарабатывавших достаточно денег, чтобы приобрести товары, которые им не были особенно важны. Например употребление товаров: Coca cola или Levi's джинсы становятся важным атрибутом этого общества. Человек используя тот или другой товар, показывает свою принадлежность определенному социальному слою. Так формировалась массовая культура. Поп-искусство обязательно использует стереотипы и символы.

1.2 Основные черты

Искусство поп-арта тесно переплеталось с искусством торговой рекламы, ставшей неотъемлемой частью американского образа жизни. Реклама броско и навязчиво пропагандирует товарный стандарт. Как и в рекламе, главными сюжетами поп-арта стали автомашины, холодильники пылесосы, фены, сосиски, мороженое, торты, манекены и.д.

Создатели рекламных передач и шоу способны искромсать на кусочки и соединить в нужной им комбинации стиральный порошок и известный шедевр искусства, зубную пасту и классическую музыку. Точно также поступает и поп-арт. Отличительная черта - сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или одинаково бесценно, одинаково красиво или одинаково безобразно, одинаково достойно или не достойно.

Основные черты поп-арта: яркие радужные цвета, броские формы, использование пластика, повторяющиеся элементы. Поп-арт открыто оспаривал принципы "хорошего дизайна", отрицая модерн и его ценности. Основной упор делался на изменения, разнообразие, веселье, бунтарство и недолговечные, одноразовые вещи, дешевизну и ставку на массовое потребление.

Дизайнеры занялись производством вещей, которые потребитель желал, а не тех, в которых он нуждался. На первый план вышел стиль, впервые недолговечные, одноразовые вещи стали приниматься за норму.

Это искусство непрестанно заимствует предметы и образы из повседневного быта и делает особый упор на массовые развлечения и товары широкого потребления, претворяя их в художественную форму. Оно содержит в себе множество ссылок, часто очень специфических и эмоциональных, на будничную жизнь обыкновенных людей. «Поп»- художник, отражая окружающую жизнь, претворяет ее и таким образом выражает свое отношение к ней. При этом его реакция на окружение необязательно должна быть ясной и непосредственной. Использование стольких широко известных образов ведет к сложной серии взаимодействий и отзвуков, которые улавливаются и осмысляются глазом и разумом зрителя.

Такая образность находилась вне пределов того, что мы раньше называли «изящными» искусствами, то есть пейзажа, портрета, религиозной или исторической живописи. «Поп» - художники интересуются людьми как предметами (отсюда упор на изображение кинозвезд), а также машинами — автомобилями и электроприборами. Они многим обязаны стилизованному изображению людей и предметов в современных журналах, на телевидении, в фотографиях, комиксах, кино, рекламе.

Существует версия, что поп-арт родился случайно. К Рою Лихтенштейну пришел маленький сын с книжкой комиксов и попросил сделать из них что-нибудь смешное. Рой поглядел на незамысловатые картинки и придумал увеличить их до громадных размеров. Так он начал создавать свои картины, которые потом пользовались бешеной популярностью. Комиксы или отдельные их части увеличивались порой настолько, что нельзя было понять, что там. Абстракция, да и только. «Я за искусство, которое не сидит на своей заднице в музее. Я за искусство, которое вырастает и не подозревает о том, что оно искусство… Я за искусство, которое смешано с повседневной чепухой и все же поднимается наверх», — рассуждал Лихтенштейн.

По другой версии начало поп-арту положила картина-коллаж Ричарда Гамильтона «так что же делает современные дома столь необычными и столь привлекательными?». Выглядит это, как «набор» вырезок из цветных журналов. Обычный дом среднестатистического американца, «подсевшего» на рекламу. С рекламных страниц в интерьер сошли и магнитофон, и телевизор, и, безусловно, газета, а на стенах вместо картин — увеличенный фрагмент комикса — ширпотреб. За окном виднеется кинотеатр. Центральная мужская фигура вырезана из рекламы культуризма, женская — тоже в духе «хочешь похудеть? Спроси меня как». Образ реального мира вытеснен скоплением фиктивных имиджей масс-культуры. Жизнь, превращенная в сказку с помощью рекламы.

1.3 Теория и разработки

Начальные теоретические разработки поп-арта появились в Англии в период в 1952 по 1955 годы, когда в Институте современного искусства в Лондоне образовалась «Независимая группа» архитекторов, художников, критиков среди них были Ричард Гамильтон, Эдуард Паолоцци, Рой Лихтенштейн. Позже к ним присоединились и другие. Слово «поп» было добавочно введено критиком Эллуэем для обозначения фактически нового эстетического сознания, новой эстетической позиции, которая утверждала художественную значимость предметов, событий, фрагментов повседневности массового человека индустриального общества, до этого считавшихся в художественно-эстетической элите нехудожественными, антихудожественными, кичем, дурным вкусом. В 1966 году Эллоуэй открыто признавался: «Тогда я не вкладывал в это понятие тот смысл, который оно содержит сегодня. Я использовал это слово наравне с термином «поп-культура», чтобы охарактеризовать продукты средств массовой информации, а не произведения искусства, для которых были использованы элементы этой «народной культуры». В любом случае понятие вошло в употребление где-то между зимой 1954-1955 годов и 1957 годом».

Поп-арт предпринял масштабную и результативную попытку уравнять их в правах с феноменами «высокой культуры», слить элитарную культуру с потребительской «популярной» субкультурой в массовой культуре. Своими предтечами поп-артисты справедливо считали Марселя Дюшана и его «реди-мейд», дадаиста Курта Швиттерса, отчасти Фернана Леже с его романтизацией машинного, миро-человека. Художники поп-арта открыли своеобразную поэтику массовой продукции городской культуры, находя ее в банальных и тривиальных вещах, событиях, жестах, в окружающей их потребительской среде и коммерциализованной реальности: в голливудских боевиках и популярных «звездах», в газетных и журнальных фото, в американском жизненном стандарте, основанном на техническом прогрессе, в рекламе, афишах, плакатах, газетах, в предметах домашнего обихода, комиксах, научной фантастике, бульварной литературе. Во всем, что составляло повседневную среду обитания и псевдодуховную пищу евро-американского обывателя середины XX века. Изымая элементы и имиджи массовой культуры из повседневной среды и помещая их в контекст из них же создаваемого художественного пространства, поп-артисты строили свои произведения на основе игры смыслами массовых стреотипов, таких как новые контекстуальные связи, иной масштаб, цвет, иногда деформации в новой семиотической среде. Ранние произведения поп-арта выполнялись в техниках коллажа или традиционной живописи с элементами коллажа.

В дальнейшем используемые материалы и техника создания поп-произведений существенно расширяются и усложняются. В традиционную живопись активно внедряются инородные элементы, такие как обломки гипсовых изображений, предметы повседневной действительности, фотографии, детали машин. Появляются поп-скульптуры, объекты, ассамбляжи, инсталляции, в которых используются самые различные материалы, в том числе и в большом количестве вещи, бывшие в употреблении, то есть содержимое мусорных ящиков, помоек и свалок. Часто создаются композиции из упаковочного картона, тары потребительских товаров и тому подобных материалов. Художники поп-арта не ограничиваются только статическими произведениями, они создают поп-артистские действа, такие как хэппенинги.

1.4 Вывод

В целом поп-арт фактически подвел черту под традиционными видами изобразительного искусства, доведя их до логического завершения, и открыл путь принципиально новым типам художественных практик, осваивающих самые различные пространства с помощью всего множества визуально воспринимаемых форм, предметов и способов неутилитарной деятельности современного художника. В частности, поп-арт подготовил почву для концептуализма и постмодернизма. В 1980-е годы ХХ столетия как реакция на концептуализм и минимализм возникло направление нео-поп-арт. Он не является принципиально новым художественным движением, а скорее представляет собой эволюцию поп-арта с его интересом к предметам массового потребления и знаменитостям мира популярной культуры, только уже с иконами и символами нового времени.

Глава 2:Представители поп-арта

2.1 Роберт Раушенберг

Американской художник, создавший в 50-х отмеченные влиянием дадаизма коллажи и произведения так называемой «комбинированной живописи», в которых абстракция объединена с изображением предметов повседневного быта. Благодаря своему стремлению увязать жизнь с искусством Раушенберг стал одним из провозвестников американского поп-арта.

В первой половине 50-х Раушенберг разработал стиль, типичный для направления «поп-арт», используя в качестве художественного материала предметы повседневного быта. В рамках своих произведений «комбинированной живописи» он объединял предметы, хорошо известные американскому обществу из рекламы и средств массовой информации. Это техника коллажа, объединяющая реалистичные объекты и газетные фотографии в абстрактные живописные панно. Одной из наиболее известных картин такого рода (отмеченная влиянием дадаистов Марселя Дюшампа и Курта Швиттерса) была написанная в 1956 «Кровать»: на полотне большого формата Раушенберг представил свою кровать вместе с постельными принадлежностями, забрызганную краской и поставленную вертикально, как картина.

В течение 1950-х годов в работах Раушенберга постепенно возрастало количество реальных предметов – газетных фотографий, кусочков ткани, дерева, консервных банок, травы, чучел животных – до тех пор, пока не достигалось ощущение, что холст или вся композиция вот-вот прорвется в какой-то другой мир, странно искаженную реальность.

В шестидесятые годы Раушенберг стал устраивать перфомансы, сотрудничать с инженерами и использовать различные печатные материалы; он стремился выразить сложность и многослойность существования современного индустриального общества. В 1980-е были опубликованы несколько альбомов фотографий Раушенберга, которые явились логическим завершением частого использования фотографического материала в коллажах и воплощением представления автора о мире как о нелепом нагромождении образов.

Впервые Раушенберг заставил заговорить о себе после выставки в нью-йоркской галерее Лео Кастелли (1958). В дальнейшем его творчество оказывало большое влияние на развитие поп-арта. В конце 50-х появились первые так называемые «переводные рисунки»: коллажи фото из газет и рекламных плакатов, которые Раушенберг переводил на белый лист в зеркальном отражении.

В замысел Раушенберга входило столкновение тривиальных, известных символов с художественными элементами картин. Первый большой трафарет, в котором скомбинированы символы американской жизни (например, парашютист, орел, Джон Кеннеди), он создал в начале 60-х. Одновременно Раушенберг (считавший себя художником-универсалом) экспериментировал с электроникой («Черный рынок», 1961) и занимался оформлением представлений совместно с коллегами-художниками. Прорыв на международный уровень произошел в 1964: Раушенберг стал обладателем главного приза на биеннале в Венеции. Правда, такое решение жюри вызвало бурную реакцию — Ватикан высказался об «упадке культуры»; и все же присуждение первого места представителю поп-арта окончательно утвердило официальное признание этого направления. Это признание выгодно сказалось и на доходах Раушенберга — цены на его работы подскочили в несколько раз.

Раушенберг был очень увлечен иконографией американской массовой культуры. Он отказался от эмоционального стиля абстрактных экспрессионистов, но не потерял при этом их экспрессивности, выработав метод, который использовал -приемы коллажа в сочетании с нетрадиционными материалами (малярная краска) и необычными техниками, например, рисование автомобильной шиной после окунания ее в чернила. Раушенберг раздвинул пространство своих коллажей с помощью включения трехмерных объектов и стал называть их «комбинированными произведениями». Эта революционная техника способствовала развитию современного искусства и способов творческого выражения. Увлеченность Раушенберга образами массовой культуры и реализованная им эстетика по принципу «все сойдет» оказали огромное влияние на идеологию поп-арта, состоящую в имитации массовой культуры в противоположность более субъективному творчеству Раушенберга.

Для коллажа 1964 г. «Ретроактивность 1» Раушенберг использовал фотографии современных событий, опубликованные в многочисленных газетах и журналах. Большая газетная фотография Джона Ф. Кеннеди, выступающего на телевизионной пресс-конференции, была положена в основу трафаретного оттиска на холсте. Он наложил образ Кеннеди на шелкографическое изображение астронавта, спускающегося на парашюте. Перекрывающиеся и в то же время внешне несопоставимые портреты создают цветной визуальный комментарий к пропитанной массовой информацией культуре, пытающейся совладать с эрой телевидения.

«Раушенберг - это настоящее, это чемпион соревнования сегодняшнего дня. Создатели поп-арта играют роль скорее в социальном плане, чем в эстетическом. Они не чураются давать публичные выступления на людях. Так, один из них в день вернисажа прогуливался с разрисованным зонтиком, другие одеваются кричаще. Решительно, Дали явился крестным отцом всего этого поколения»².

В 1980-е годы были опубликованы несколько альбомов фотографий Раушенберга, которые явились логическим завершением частого использования фотографического материала в коллажах и воплощением представления автора о мире как о нелепом нагромождении образов. Начиная с 80-х его работы уже не таят в себе никаких стилистических неожиданностей. Сегодня 10 картин этого общепризнанного мэтра современного искусства экспонируются в Эрмитаже, будучи подаренными музею самим художником

2.2 Рой Лихтенштейн

Великий мастер поп-арта, чьи работы, в стиле комиксов, символизировали опошление культуры в современной американской жизни. Используя яркие, «кислотные» цвета и промышленные типографские методы, он иронически соединял объекты и стереотипы «массовой культуры» и близкие ему образцы «высокого» искусства живописи.

В основе его дизайна лежит удивительный контраст – контраст цвета и форм. Как результат – «визуальная провокация». Цвета и элементов оказывается больше, чем «ожидает» увидеть глаз.

Благодаря Лихтенштейну вслед за простыми предметами свою креативную ценность доказали образцы масскульта: журнальная реклама, комиксы и вкладыши для жвачек. Конечно, как настоящий шестидесятник, Лихтенштейн говорил, что он рисует их, чтобы исследовать и разоблачать мифы общества потребления, масс медиа и массовой культуры. И надо согласиться – ему это удалось.

Лихтенштейн писал в стилизованной манере, имитируя технику, применявшуюся при создании потребительской иллюстративной продукции. Вместо оттенков цвета он использовал полиграфический растр, когда две или более точки определенных цветов комбинируются для получения третьего цвета («Ох… Ладно…» (1964 г.) ). В результате его работы приобретали неповторимую яркость и эмоциональную выразительность. В начале своей деятельности художник выполнял точки вручную, а затем стал применять трафареты

"Легкость" произведений Лихтенштейна обманчива. Над каждым из них художник работал долго и кропотливо. Найдя нужный мотив и сделав набросок, он с помощью диапроектора переносил изображение на большой холст и приступал к подготовке шаблонов. Созданная в результате картина во много раз превосходила по размерам оригинал.

Несмотря на то, что многие из его картин являются сравнительно небольшими, методы обработки объекта, применяемые Лихтенштейном, дают ощущение монументальности изображения кажутся массивными и грандиозными по размеру!

Свою любовь к живописи Рой Лихтенштейн особо выразил в знаменитой серии работ, изображающих… мазки кистью. Эти гигантских размеров мазки не нанесены, а именно изображены - опять-таки, с помощью растровой техники. С одной стороны, таким образом художник исполнил гимн искусству, с другой - саркастически усмехнулся: дескать, до чего же опускаются художники, делая предметом изображения такую безделицу, как простые мазки…

Первичные спектральные цвета - красный, желтый и синий, резко ограниченные черным – стали его фаворитами. Иногда, правда, он использовал и зеленый. Вместо оттенков цвета, он использовал растровую точку, метод, которым изображение и плотность тона, модулируется при типографской печати.

В 1961 он обратился к использованию в картинах комиксов и персонажей мультфильмов, благодаря которым он и создал свой легко узнаваемый стиль и получил всемирную известность. «Последнее Хрю…» (1962, Музей Современного Искусства) было первым впечатляющим примером его новой живописи.

Одной из самых знаменитых его работ является картина «В машине» (1963). На ней художник в точности воспроизводит фрагмент комикса, увеличивает его до невероятных размеров и имитирует точки растра, воссоздавая технику растровой печати массовых газет. Лихтенштейн достигает сильного впечатления благодаря яркому открытому цвету и простоте стиля. Лихтенштейн использовал образы массовой культуры, при этом часто изымал их из контекста и пародировал. Преувеличивая и упрощая эти образы, он не давал социальный комментарий к сюжету, а лишь стремился показать зрителю эстетические ценности США 60-х годов.

Начиная с 1962, его "мишенью" становились не только комиксы, мультфильмы, афиши и рекламные плакаты, но и произведения великих мастеров. В 1963 году Лихтенштейн перерисовал картину Пабло Пикассо Женщины Алжира (точнее - фрагмент этого знаменитого произведения), своеобразно, в своем стиле. Свою репрезентацию он шутливо назвал Женщина Алжира. Глядя на эту "пародию" издалека, думаешь, что это настоящий Пикассо. Но при ближайшем рассмотрении понимаешь, что это ни кто иной как "подлинный Лихтенштейн".

«Почему вы думаете, что холм или дерево красивее, чем газовый насос? – спрашивает один из деятелей поп-арта, Рой Лихтенштейн. – Только потому, что для вас это привычная условность. Я привлекаю внимание к абстрактным свойствам банальных вещей ».³

Рой Лихтенштейн - это один из весёлых художников. Художник говорит о любви, человеческих отношениях в шутливой манере, помогает их лучше понять, сделать их более доступными и для людей, не слишком разбирающихся в искусстве. При этом самого себя художник старается не выпячивать, предпочитает оставаться "в тени".

2.3 Ричард Гамильтон

Оценки произведениям Ричарда Гамильтона, порождаются полной и интригующей неопределенностью. Создавая свои замечательные картины и рисунки, он не определяет своего отношения к их содержанию, иначе как техническими средствами. Обычно он не выражает никакой точки зрения; он только анализирует составные части популярных образов или открыто восторгается техническими достижениями современных средств распространения информации.

В 1970 году лондонская галерея Тейт устроила первую ретроспективную выставку творчества Гамильтона. Экспонировались 170 его произведений от тонко выполненных карандашных набросков к серии предполагавшихся иллюстраций к роману Джеймса Джойса «Улисс» (1949 г.) до последнего цикла под общим названием «Клише мод» (1969 г.). Эти двенадцать этюдов, основанные на изображениях популярных манекенщиц, были выполнены средствами коллажа, эмали и косметики на литографированной бумаге. Они были сдержанной пародией на стилизованное изображение молодых женщин — привлекательных, но недосягаемых, — которые типичны для некоторых рекламных объявлений. Гамильтон здесь ступает по очень рискованному пути между сатирическим отношением к своему материалу и слишком эмоциональной его трактовкой. Серия отличается смелостью декоративного рисунка.

Выставка продемонстрировала, что по мастерству, воображению и технической сноровке он является одним из самых интересных, разносторонних и совершенных художников современности. Его главная сила, пожалуй, состоит в сочетании богатейшего воображения с неиссякаемой изобретательностью и непрерывным экспериментированием. О глубоком интересе Гамильтона к сложной технике свидетельствуют его литографии. Он использует широкий ряд профессиональных технических средств для придания точных запоминающихся эффектов окончательному изображению; на всем лежит печать полностью контролируемых приемов. Гамильтон особенно интересуется фотографией, которая посредством кино, телевидения, газет и журналов очень сильно влияет на наше восприятие окружающей среды.

Важный образец, творчества Гамильтона — картина «Она», выполненная между 1958-1961 гг. масляной краской, целлюлозой и коллажем на панели. Это произведение продолжает традицию «изящных» искусств, хотя сам Гамильтон охарактеризовал его как отражение мечты потребителя. Но он воздержался от какого бы то ни было социального сарказма и пояснил, что видит свою задачу в том, чтобы найти «эпическое в будничных предметах и будничных взглядах». Это хорошо передает отвлеченность «поп»-художника от его тематики.

«Давайте вместе исследовать звезды!» принадлежит к серии литографий и картин с использованием масляных красок и коллажей, в которой Гамильтон изобразил человека на фоне современной техники и спорта, уделяя главное внимание идеалу мужской красоты и мужской одежде. Глубоко взволнованный космическими полетами и речью президента Кеннеди, который призывал «всех людей объединиться для выполнения великих задач, стоящих перед человечеством», Гамильтон поместил в центр фотографию Кеннеди в скафандре космонавта. Эта серия, написанная в 1962 году, служит хорошим примером его особого дара — сливать казалось бы совсем неподходящие предметы в образы большой лирической красоты.

«Интерьер II» (1964), исполненный маслом, целлюлозой, коллажем и рельефом из металла на панели, построен на сюжете из фильма «Шокобезопасный». Женщина только что убила мужчину в борьбе за револьвер. Она кажется непричастной к актам насилия, о которых свидетельствуют труп и кадры кинохроники об убийстве президента Кеннеди, застывшие на экране телевизора. Для коллажа использованы вырезки из журналов, и сочетание разнородных элементов, которые должны бы усугублять неясность, снова успешно производит впечатление единого целого.

«Уитли-Бэй» (1965) состоит из написанных черной и белой красками увеличенных копий почтовой открытки, изображающей пляж в курорте Уитли-Бэй в Нортумберленде. Интерес Гамильтона к трансформации исходного материала виден из этой абстрактной композиции, которая, несмотря на то, что ее источник сразу ясен, свежим и стимулирующим способом обостряет восприятие зрителя.

Возможно, самым известным произведением Гамильтона является «Я мечтаю о белом Рождестве» (1967). В далеком 1942 году знаменитый американский певец и актер Бинг Кросби спел песню "Светлое Рождество". Эта песня была настолько популярна, что даже попала в "Книгу Рекордов Гиннеса" как "самый продаваемый сингл всех времен": в мире продано свыше 30 млн. экземпляров этого сингла. Но речь сейчас не об этом...

Ричард Гамильтон создаёт две картины «Мне снится белое Рождество» (Рис. 9) и «Мне сниться черное Рождество». Первая картина названа по заглавной строчке песни.

Изображая Бинга Кросби в вестибюле гостиницы, Гамильтон, конечно, заигрывает со зрителем: знакомство с видеотехникой заставляет нас подумать, что это негатив фотографии, хотя на самом деле это живопись маслом. Балансируя на грани между высоким искусством и массовой культурой, Гамильтон использовал образ голливудской звезды Кросби, а названием работы сделал слова его хита.

Гамильтон заявлял, что поп-арт должен быть "блестящим, утилитарным, массовым и народным". И его творчество во многом соответствует этим критериям. Не обладая масштабом и колоритом американского поп-арта, работы Гамильтона, тем не менее, отражают типичное для этого направления увлечение современными сюжетами: от поп-музыки и рекламных плакатов до кино и высоких технологий.

Использование методов современной полиграфии, которые в значительной мере формируют наши представления о мире, придает творчеству Гамильтона характер навязчивых видений. В результате комбинация культурных и социальных ассоциаций Гамильтона ярко доходит до сознания зрителя благодаря высокому мастерству художника.

Гамильтон мастерски владеет техническими приемами. Среди его работ в области гравюры и фотографии — выполненный в 1974 трехмерный эстамп «Палиндром». В этом своеобразном и, как всегда, с большой изобретательностью исполненном произведении изображение как бы переходит с одной зеркальной поверхности на другую — от иллюзорного изображения к реальности — и символически выражает двойственность видения художника, обратившегося к повседневному миру привычных явлений и к разнообразным возможностям его отражения в искусстве.

Гамильтон особо известен благодаря коллажу «Так что же делает наши жилища такими особенными, такими привлекательными?». В эту работу в качестве фрагментов включены изображения мускулистого мужчины и обнаженной хорошенькой женщины; идея произведения — показать торжество современного материализма, потребительского общества, питаемого рекламой и средствами массовой информации. Коллаж составлен из популярных рекламных образов, навязываемых новыми средствами коммуникации, бум которых приходился как раз на время создания этой работы и зарождения поп-арта.

В творчестве менее талантливых художников эта живая и непосредственная реакция на факты окружения, созданного руками человека, часто опошляется и вульгаризируется. С другой стороны Ричард Гамильтон успешно развил приемы поп-искусства и сумел создать с их помощью ценные произведения изобразительного искусства, которые способствуют повышению нашего художественного восприятия и обогащают наше сознание.

2.4 Энди Уорхол

Энди Уорхол, наверно, является самой известной и противоречивой личностью в искусстве во второй половине двадцатого века. Он был одним из основоположников поп-арта и доказал что искусство может быть материально прибыльным. На протяжении всей своей жизни он создавал множество историй вокруг своей персоны. Уорхол занимался различными видами искусства, он был и коллекционером, и издателем журнала, и дизайнером, и кинорежиссером, и скульптором, и писателем, а так же художником и продюсером.

Энди Уорхол с детства всем своим юношеским сердцем ненавидел школу. Ходил туда, как на пытку. Чтобы как-то осчастливить свой досуг, Энди начал рисовать и делать коллажи. Рылся на помойках, выпрашивал старые номера журналов у продавцов в киосках, «побирался» по знакомым. В глянцевой комиксно-журнальной макулатуре перед маленьким мальчиком открывался совсем другой, яркий мир — там короли, микки-маусы и голливудские звезды. Энди усердно, с воодушевлением искал, вырезал, склеивал, перерисовывал. Его рисунки нравились всем знакомым. Бэтмен дружески похлопывал своим широким крылом по худенькому плечу принца Уэльского, Грета Гарбо шла под венец с Микки-Маусом, а из мешка с новогодними подарками выглядывал радостный президент США.

Повзрослевший Уорхол внимательно присматривался к только зарождавшемуся искусству, находя в нем свое, родное, воспоминания детства. Предметом живописного изображения могло стать что угодно: обрезки газет, рекламные плакаты… Уорхол не боялся экспериментировать. Первые опыты не пользовались успехом. Да он сам понимал: не то, не то. Он искал. Днями и ночами искал новый поворот. Чего только не пробовал: клал свеженарисованные холсты на тротуар, желая запечатлеть следы только что прошедших людей, пробовал новые, неординарные сочетания цветов.

Однажды один из бизнесменов, занимавшихся продажей работ художника, спросил, что для тебя самое главное в жизни. Уорхол, не задумываясь, ответил. Тогда бизнесмен посоветовал изображать купюры долларов. Уорхол последовал совету. И не зря. «Долларовые» картины имели большой коммерческий успех. В своих дневниках Уорхол рассуждал: «Мне нравятся деньги на стенах. Например, вы собираетесь купить картину за 200000 долларов. Я думаю, вам следует взять эти деньги, перевязать их в пачки и повесить на стену. Тогда, если кто-нибудь придет к вам в гости, первое, что он увидит — деньги на стене».

В 1960 году он делает дизайн для банок Кока-кола (Рис. 12), который, в последствии, стал культовым.

Славу художника с неординарным видением искусства живописи Энди Уорхол получил сразу же после своего творения, на котором было изображены консервы и банки с напитком кока-кола. Самой известной стала серия картин Энди Уорхола с изображением консервной банки с томатным супом от знаменитого в то время производителя «Кемпбелл».

Глубокое впечатление произвело на Уорхола самоубийство Мэрилин Монро (Рис. 14). Она стала на долгие годы его музой. В различных видах представала она на шелкографиях Уорхола. Вдохновляли художника и другие знаменитости: Элвис Пресли, Джеймс Дин, Элизабет Тейлор, Мао Дзедун…

Художник начал использовать технику шелкографии – это техника повторения одного и того же изображения. Эти повторения стали одним из свойств Уорхола. Под этот кислотный стиль попали изображения Эвиса Пресли, Лиз Тейлор, Мерлин Монро, Мика Джаггера, а так же множественное количество кока-колы. Все эти люди были кумирами того времени. Этот стиль у него не изменился на протяжении всей его жизни, менялись только сюжеты. Его длинные полотна и монотонное изображения на них, напоминали ряды продуктовых маркетов.

Суть в том, что в итоге получалась картинка, лишь отдаленно напоминающая оригинал, темой которой был не сюжет, а технические способы его передачи. Ощущение, что фотографию вывернули наизнанку. Шелкография (Рис. 15) часто напоминала плохие газетные репродукции, но, в отличие от них, это не потому что кто-то делал тяп-ляп и руки не из того места растут, а так задумано. Когда Уорхол применял при печати фотографии различной плотности красочного слоя и степени давления, получался то почти стертый оттиск, то исчезали полутона и светотеневые переходы, иногда случались потеки краски, смазывающие форму.

Той же цели разрушения иллюзии служило многократное повторение оригинала. Уорхол придумал не возиться с созданием нового, а заниматься спекуляцией старого: купил фотку какой-нибудь звезды экрана, перерисовал ее сто раз на одном холсте и продал в миллион раз дороже. Растиражированное изображение приобретало вид плоской картинки, выброшенной конвейером массового производства. Этим Уорхол добивался эстетической отстраненности от собственного творчества.

Громкие имена поп-артистов, изображающих предметы массового потребления, оказывали большую услугу продавцам этих самых предметов. Подписанные Уорхолом банки консервов раскупались моментально.

Уорхол провозглашал превращение художника в машину по тиражированию поп-арт-проектов. «Когда умер Пикассо, я прочел в журнале, что он создал в течение своей жизни четыре тысячи шедевров, и подумал: «Ерунда, я могу создать столько же в один день», — хвастался Уорхол. Но, оказалось, что одного дня просто не хватает.

После смерти суперстара его имущество было исследовано и описано. В его тридцатикомнатном манхэттенском доме обнаружили около тысячи картин, полторы тысячи рисунков, банковскую книжку на 15 миллионов долларов, мебель «арт-деко», одеяла индейцев навахо, пятьдесят бело-серебряных париков, сорок две подшивки статей об Уорхоле, полный комплект журнала «Интервью», три тысячи часов аудиозаписей бесед Уорхола, его друзей и знакомых. Десятки тысяч фотографий и шестьсот «капсул времени» — картонных коробок, куда Уорхол складывал всевозможные ненужные вещи, так сказать, для потомков. Банки из-под печенья, набитые сотенными купюрами, — сейфам Энди не доверял. Шедевры живописи, стоившие сотни тысяч долларов, валялись вперемешку с хламом из лавок старьевщиков: Уорхол всегда мечтал найти какую-нибудь вещицу за пять баксов, которая со временем будет стоить миллионы. Бешеные деньги он тратил на покупку нужных и ненужных безделушек, олицетворяя принцип: деньги надо вкладывать в вещи. Здесь можно было найти мумифицированную стопу, счета, яблочный огрызок, ковбойские сапоги, письма, книги, банки супа «Кэмпбелл» (который художник с удовольствием ел до самого своего конца) — продукты жизнедеятельности великого Энди.

2.5 Джаспер Джонс

Джаспера Джонса часто воспринимали как посредника между двумя направлениями в искусстве — абстрактным экспрессионизмом и поп-артом. Однако его длинный творческий путь, на разных этапах включавший занятия живописью, скульптурой и совместную художественную деятельность, продолжался на протяжении многих десятков лет и не может быть сведен к этому короткому периоду в середине 1950-х годов. Черпая идеи из последних художественных направлений 20-го века и коммерческой культуры, Джонс нашел свой путь в стороне от абстракционизма. Как и последовавшие за ним деятели поп-арта, Джонс трансформировал внешний вид легко узнаваемых предметов, таких как карты, мишени и номера. И, самое главное, он изменил то, как мы воспринимаем эти символы, и вывел на поверхность всю сложность явлений повседневной иконографии.

Однако его художественная практика требовала использования интенсивных мазков, нанесения на узнаваемые символы толстого слоя краски, энкаустика, пчелиного воска и других подобных материалов. Работая и по сей день, Джаспер Джонс по-прежнему интересуется логикой, феноменом языка и исследованием значения посредством измененных символов .

Сюжет – например, картина Мишень (Рис. 16) – идентичен плоскости холста. Эти произведения существуют как самостоятельные и самодостаточные объекты.

Джонс познакомился с художником Робертом Раушенбергом, от которого воспринял передовые идеи в современном искусстве. Он усвоил также многие идеи Марселя Дюшана; Велосипедное колесо и другие редимейды Дюшана стали источником вдохновения для серии предметов, отлитых в бронзе, которую Джонс создал в конце 1950 - х – начале 1960-х годов. Вероятно, наиболее значительными произведениями Джаспера Джонса можно назвать серию его ранних живописных работ, созданную во второй половине 1950-х годов. Американский флаг изображен не гордо реющим на ветру, а растянутым на плоскости; это нивелирует патриотический смысл картины и превращает флаг в эмблему, подобие книжной репродукции.

Джаспер Джонс пережил и периоды увлечения Пикассо1, работал в стиле абстрактного экспрессионизма (преодоление которого суть лейтмотив творчества многих поп-художников). Но запомнился Джонс именно как яркий представитель поп-арта. К списку поп-символов, созданных Джонсом, можно добавить «мишени» (этот сюжет и его вариации широко представлены в тиражной графике), символистские «цифры» и знаменитую пару пивных банок Ballantine Ale, воплощенную в многочисленных живописных работах и бронзовых скульптурах.

В качестве сюжета своей самой знаменитой картины Джаспер Джонс избрал американский флаг. Однако художник вдохновлялся не патриотическими чувствами, а лишь желанием представить самый банальный, легко узнаваемый объект. Что может быть банальней звездно-полосатого флага? Флаг Джонса не развевается на флагштоке или в руках солдата-победителя - он словно распластан по стене. Художник не изображает, а преображает объект: он не пытается обмануть зрителя, заставив его поверить в реальность своего флага. С помощью энкаустики - живописной техники, применявшейся еще в Древней Греции - Джонс создает рельефную поверхность холста. Три флага разного размера, расположенные один на другом, ослепляют, как свет сигнального фонаря. Наряду с другим своим соотечественником Робертом Раушенбергом, Джаспер Джонс считается одним из самых видных представителей американского поп-арта

«Как-то ночью мне приснилось, что я рисую большой американский флаг, на следующее утро я проснулся и пошел покупать материалы, чтобы приступить к работе над ним. Я начал работать. Я долго трудился над созданием своей картины. Это очень утомительная работа, требующая немалых физических усилий, — я начал писать ее бытовой эмалевой краской, которой красят мебель, а сохнет она очень медленно. Потом мне в голову пришла идея, о которой я где-то читал или слышал, — идея использовать восковые краски» (Джаспер Джонс).⁴

Трактовка картины как объекта естественно привела художника к сопоставлению настоящих предметов с нарисованными на холсте, а затем к созданию скульптуры. Скульптуры Джаспера Джонса представляют собой отлитые в бронзе обыденные предметы, например электрический фонарик, лампочку или зубную щетку. Одно из наиболее известных произведений Джаспера Джонса – две бронзовые Банки из-под пива.

2.6 Роберт Индиана

Американский мастер художник, гравер и скульптор Роберт Индиана широко признан в качестве одного из видных представителей американского поп искусства. Он известен своими смелыми простыми знаковыми изображениями цифр и букв.

Родился Роберт с фамилией Кларк, но потом изменил фамилию на Индиана как дань уважения к его родному штату. Получив степень в Институте искусств в Чикаго в 1953 году он переехал в Нью-Йорк. Он стал частью сообщества художников которые начали экспериментировать в геометрическом стиле поп арт.

В начале 1960-х годах он сделал первые конструкции из древесины, хлама и железа. Эти работы впервые объединили металл, дерево и гипс в геометрической форме. В начале 1960-х годах несколько его работ были приобретены музеями и коллекционерами, были включены во многие выставки, в том числе его первая персональная выставка состоялась в 1962 году в галерее в Нью-Йорке. В 1964 году он сотрудничал с Энди Уорхолом в фильме.

Хотя он стал известен в 1960-х, проблемы, которые он отражал в поп-арт всегда сильно отличались от всех его современников. В то время как общее движение поп-арт достигло интереса в средствах массовой информации и приобрело атрибуты культуры потребления, поп-арт Роберта Индиана был обращен к Американской национальной самобытности.

В 1973 году Почтовая служба США использовала изображение "LOVE" на первой серии марок под названием Любовь (Рис. 19). Данное изображение напечатали тиражом порядка 300 миллионов, благодаря чему оно стало наиболее воспроизводимым изображением искусства поп-арт. Позднее слово LOVE выполнялось в виде объектов, которые устанавливались во многих городах планеты.

Картина Роберта Индианы «Пять». Яркое сочетание красного, синего и белого цветов, гармоничное расположение цифры "5" в круге и сама смелая идея изображения в качестве объекта картины цифры притягивает внимание. Вот, пожалуй, и всё.

Разумеется, можно обратить внимание на цвета (белый, синий, красный) и притянуть национализм как главную идею картины, равно как и увидеть политический контекст в другой картине Индианы "Большая восьмерка" с изображением, разумеется, огромной цифры "8" и другой картины с изображением пятёрки, но неоднозначным названием "Пентагон". Но следует уметь видеть смысл в белом листе бумаге, когда автор его туда вкладывает, а не искать смысл в каждом чистом листе. Глубинный смысл не заложен в самом символе цифры "5"; здесь сама картина является кричащим символом-представителем поп-арта.

Является ли это искусством? Несомненно. Эта картина после просмотра заставляет задуматься, рождает определенные эмоции, как минимум - интерес и желание узнать: кто? как? зачем? А это уже первый шаг к развитию и самообразованию. Как максимум "Пять", как и любое другое произведение искусства в рамках своего течения, вдохновляет зрителей. Я могу долго разглядывать безупречно исполненное произведение Ренуара "Читающая девушка", но кроме эстетических чувств, картина вряд ли вызовет во мне порыв попробовать себя в живописи, не заинтересует.

Истинный смысл любого произведения искусства должно заключаться в воспитании человечества, в увеличении уровня культуры и в формировании понятий "прекрасное" и "безвкусное". И, по большому счёту, какая разница, какими путями автор добивается этой идеи - великолепной техникой написания, мастерскими намеками в самом произведнии или грубым, явным посылом к язвам общества. "Пять" Индианы в контектсе поп-арта - яркий представитель воздействия и воспитания чувства прекрасного не через само изображение, а через мысли, однозначно приходящие в голову после ее просмотра.

2.7 Джеймс Розенквист

30 лет на небосклоне американского искусства сияла звезда Розенквиста. Первая персональная выставка художника открылась в Нью-Йоркской «Грин Галери» Ричарда Беллами в 1962 году, а одна из последних проходила в Москве в конце зимы 1991 года. Джеймс Розенквист занимает совершенно определенное и особое место среди таких мэтров живописи второй половины XX века. Его можно смело назвать неистовым художником. Критик Дональд Сафф, хорошо знавший художника, отмечал, что Розенквист всегда чувствовал в себе способность вдохнуть новую жизнь в уже существующие формы искусства. «Кроме того, ему хотелось сделать нечто такое, чего ни один художник до него еще не делал». Розенквист перевернул все с ног на голову, превратив живопись в дизайн, а стилистику рекламы в поэтику искусства.

Традиционно считается, что всем своим творчеством Розенквист, критически относившийся к американской действительности, противостоял идеалам общества потребления и, в первую очередь, засилью рекламы. Как бы там ни было, ясно одно: рекламные образы и технологический взрыв оказали на творчество художника огромное влияние. Судьба распорядилась так, что именно Джеймс Розенквист более всех из плеяды «американских шестидесятников» был связан с рекламой, и не только в профессиональном смысле.

Творчество Джеймса Розенквиста — это покорение мира. А рекламный образ — его инструмент. Он конструировал свои картины, которые не рассказывали о мире, а вовлекали зрителя в визуально-ассоциативный акт поклонения Вещи. Все его творчество — провозвестник победы неосферы над своим создателем — человеком.

На картинах Розенквиста нет людей. Есть часть плеча, ступня, кисть руки, фрагменты глаз и оскалов «американских» улыбок («Салат из настурций»). Ведь человек все меньше олицетворяет собой опознавательный код культуры. Он размыт и подменен. Он отходит на второй план, давая дорогу универсальному коду прогресса — вещности.

В основе композиции полотен Розенквиста лежит коллаж. Это не столько живопись, сколько дизайнерское решение пространства холста. Продуманное переплетение фрагментов вещей с фрагментами фигур и человеческих лиц, генерирующее легкий эффект дежавю, рождающее тонкий клубок индивидуальных ассоциаций. Однако, имея композиционное единство, фрагменты все же не сливаются в целое и остаются открытым, слегка недосказанным образом. Внимание постоянно скачет с детали на деталь, путая воображение, заставляя смотреть еще и еще. Но этот «заппинг», в отличие от бесцельной скачки телезрителя по каналам, подчинен определенному замыслу: художник ведет зрение и внимание зрителя в нужном ему направлении.

Части картины воспринимаются словно кадры фильма. «Раскадровка» изображения часто используется в поп-арте, но в прямом ее смысле, когда в одной картине сразу много разноокрашенных картин. Чаще всего это «портреты-серии», например Монро или Мао Энди Уорхола. Розенквист же, оттолкнувшись от принципов режиссуры и монтажа рекламных видеороликов, добился ощущения клипа в своих картинах. Смысловая нагрузка перетекает от объекта к объекту, от цвета к цвету. Появляется иллюзия движения. Так рождается «бумажный клип».

Поп-арт был всерьез увлечен поиском новых цветовых решений. В 60-е, 70-е годы ХХ века появилось множество новых красок, что давало художникам богатейшие возможности для экспериментов. Любимыми были яркие и чистые, броские цвета. Эта «ядовитость» вызывала щекочущее ощущение современности. Но Розенквист нашел в цвете совершенно новый аспект. Цвет в его картинах, помимо прямой задачи, наделен еще и особой нагрузкой: он поддерживает движение. Часто цвет распределен линейно и таким образом, что заставляет зрение «прыгать» из края в край полотна, как бы снова и снова «пролистывать» пространство картины, словно это строка-послание, где, помимо общего, каждая «буква» наделена собственным смыслом.

Казалось бы, название должно декларировать смысл произведения искусства. У Розенквиста это не совем так. Названия его картин не констатируют смысл увиденного. Этого и не может быть, поскольку смысл изображения всегда ускользает. Имена рождаются по тем же принципам, что и сами картины. Часто они неоднозначны, с открытым семиотическим значением. Иногда их прямой смысл переворачивается изображением, иногда наоборот. Словом, в названиях картин Розенквиста всегда присутствует элемент построения рекламного слогана: «Взбодрись! (Синие ноги)» (1961), «Капсула фламинго» (1970), «Постоянство электрических нимф в пространстве» (1985) и т. д.

«Между умом и указателем, температура тела» (1980). В первом варианте «Между умом и указателем находилась температура тела», то есть внутреннее напряжение человека. В данном варианте — отточенная сталь высокотехнологичных вещей.

Однажды, незадолго до смерти, проведя пару раз щеткой по плечу чистой, цвета лаванды, футболки, Розенквист сказал находящимся рядом, показывая на едва видимые в воздухе частицы: «Вот это... это пыль времени. Это то, что мы все аккумулируем всю свою жизнь».

2.8 Алекс Кац

Американский художник, известный своими большими масштабами, упрощенными образами семьи и друзей. Кац был сыном русских иммигрантов, родился в 1927 году и вырос в Нью-Йорке. Алекс Кац учился в школе искусств Союза Купера в Нью-Йорке и в училище живописи и скульптуры Скоуниган в штате Мэн. Алекс Кац является весьма уважаемым современным художником поп-арта и гравером. Он является самым известным за его большие, часто больше, чем в натуральную величину портреты. Алекса Каца отличает его способность отразить в искусстве своих близких - жену Аду и сына Винсента. Жена Алекса, Ада, сыграла важную роль в творческой жизни мужа. Картины с ее изображением получили культовый статус и стали беспрецедентными по своей направленности, имея одну тему для творчества на протяжении столь многих десятилетий. На протяжении более 50 лет, художник КАЦ нарушил модные тенденции современного искусства и представил свой собственный стиль фигуры живописи.

Кац является одним из самых значительных американских художников начиная с 50-х годов XX века. В течении своей карьеры, Кац создает замечательные импрессивные работы, образовывающие уникальный аспект современного реализма. С конца 50-х в творчестве Каца начинают преобладать портреты — главным образом его супруги Ады, сына Винсента, друзей-художников, поэтов («Портрет поэта Кеннита Коха»), критиков и танцоров. Его портреты формируют новый и своеобразнейший тип реализма в американском искусстве, совмещая в себе элементы абстракции и изображения. Его работы характеризуются плоским рисунком, драматическими образками, громадными заголовками наподобие тех, что встречаются в фильмах, рекламе и уличных вывесках. Кац интересен не столько своей эмоциональной повестью, сколько собственным портретным почерком, в которым традиционный жанр принимает экспансивный и современный вид.

Характеристика подписи стиля Каца обманчива проста, его малый размер и откровенные элементы, которые отличают его картины остротой и элегантностью («Сандалии»). Кац работает на плоских гранях цвета и открытых пространствах для достижения реализма. Впервые работы Каца были выставлены в Нью-Йорке в 1954 году. Сейчас его работы находятся в коллекции Тэйт и Музее современного искусства. Увидев хоть один раз картины Алекса Каца - вы навсегда запомните его стиль.

Отточенный контур, чистый плоский цвет и стилизованная форма, комбинация абстрактных и реалистических элементов в работах Каца увлекают зрителя в мир образов, находящихся на границе реальности и искусства.

«Поп-арт имеет дело со знаками, а я - с символами. Поп-арт циничен и ироничен, мои работы - нет. Поп-арт рожден исключительно современностью, мое искусство опирается на многовековую живописную традицию" - Алекс Кац.⁵

2.9 Том Вессельман

Том Вессельман пришел в большое искусство из коммерческого, дизайнерско-прикладного цеха — в начале своей карьеры он промышлял карикатурами для газет и журналов (рисовать он начал в армии в Корее). И совершил тот же эстетический кульбит, что и его коллеги, превратив презренный (правда, презренный где угодно, только не в Америке) масскульт в, как говорится, уникальные авторские вещи.

Том Вессельман был американским поп-арт художником, который все свои творческие поиски обратил в искусство коллажа.

Хотя еще в Союзе Купера Вессельман на уроках рисовал, его первоначальная цель в искусстве была стать карикатуристом. Его ранние работы были в значительной степени под влиянием художников абстрактного экспрессиониста, особенно Виллем де Кунинг. Его искусство стало более популярным в 1960-е годы , где состоялась его первая персональная выставка в 1962 г.

Художник никогда не скрывал своего восхищения Матиссом и Боннаром, и если смотреть с точки зрения классической живописи, то мировую традицию живописания обнаженной натуры он дополнил американской гигиеной и комфортом — его девушки всегда чистенькие, только что из ванны, о чем свидетельствуют настоящие кафель и полотенцесушители, которые он иногда монтировал в свои картины («Ванная комната»). Что более важно — слово "натура" для его ню и вовсе не подходит. Том Вессельман никогда не писал своих красавиц с живых женщин — только с идеальных рекламных журнальных изображений, которые он ухитрился сделать еще идеальнее, выведя формулу "красоты по-американски" задолго до известного фильма: розовое тело, незагорелая часть бикини (очень по-американски — дом должен быть с бассейном), желтые волосы (джентльмены предпочитают блондинок), красная помада и теперь уже неамериканская сигарета у рта. И никакой индивидуальности — ни носа, ни глаз, ни каких-нибудь лишних изгибов.

Начиная с 1950-х годов, он сделал коллаж из журнала вырезки и найденных предметов, часто включая в свои коллажи обнаженных женщин. Вессельман наиболее известен своими сериями "Великий Американский Ню".

Он вполне мог бы стать мишенью феминисток за свое отношение к женщине как к бездушному натюрморту, а к ее телу — как к такому же массовому товару, как кафель и полотенца. Но не стал — даже самые упертые защитницы женских прав не смогли бы отрицать, что в его картинах все же есть ирония по отношению к потребительскому американскому раю, для которого он и вывел свою соответствующую женскую "породу".

Но чем больше работы Вессельмана канонизировались, закупались музеями и коллекционерами, тиражировались, прикнопливались на стенку в виде репродукций, тем меньше в них оставалось иронии. Зато все больше — красоты.

Эротический образ лежащей обнаженной с раздвинутыми ногами соседствует с вырезанными фотографиями нескольких порций мороженого и шейкера для взбивания коктейлей. Черты лица обнаженной отсутствуют, чтобы избежать портретности. Картина принадлежит к созданной в начале 1960-х годов серии, в которой Вессельман соединял обнаженные фигуры, написанные чистым плоским цветом, с коллажем из журнальных вырезок и плакатов. Значение произведения определяет откровенная демонстрация сексуальной свободы в ту эпоху, когда обнаженная натура была еще редкостью в американских средствах массовой информации, а также включение в композицию образов, прямо заимствованных из новой эры потребления. Подобная манипуляция эротическими символами и объектами потребительской культуры связывает творчество Вессельмана с движением поп-арта в США.

С 1983 года художник оставил живопись и обратился к изготовлению вырезанных из металла настенных панно на основе набивки войлоком или рисунков пером («Пейзаж»).

2.10 Клас Олденбург

Клас Олденбург — человек, ставший «позором» своей семьи и одновременно одним из основоположников американского поп-арта. «Поп-арт подобен сосуду, назначение которого — оставаться пустым», — сказал об этом направлении другой основоположник. Однако К.Олденбург заработал на этом «пустом сосуде» столько, что смог купить себе скромную яхту «размером с небольшого кита».

«Я за искусство, которое не сидит на своей заднице в музее, а делает что-то другое. Я за искусство, которое вырастает и не подозревает о том, что оно — искусство... Я за искусство, которое смешано с повседневной чепухой и все же поднимается наверх... Я за искусство, развертывающееся, как карта, которое вы можете сжать, как руку своей подружки, или даже поцеловать». ⁶

Клас Тур Олденбург

Cамая настоящая духовка с аппетитнейшими кусками мяса. Рука так и тянется потрогать, отрезать, попробовать... Но не стоит этого делать — перед нами всего лишь раскрашенный макет, созданный художником из марли, мешковины и простого пластыря.

При чем же здесь искусство? Совершенно не причем. Вы участвуете в хэппенинге, хотите вы того или нет. Эта духовка с мясом, являющаяся неотъемлемой частью нашей жизни, — идеальная декорация. Изо дня в день мы встаем, готовим себе на плите завтрак, обед и ужин. Каждый день, совершая обычные, ни к чему не обязывающие действия, мы играем одну простую на первый взгляд пьесу, называется – жизнь.

Признание на поприще поп-арта пришло к Олденбергу в 1961 году, когда он открыл свой проект «Магазин». Стилизовав интерьер студии под обычный магазин, он заполнил ее копиями товаров народного потребления, выполненными из папье-маше и других нетрадиционных материалов.

Духовка Олденбурга, созданная им для этого проекта в 1962 г., должна была стоять на самом видном месте, чтобы любой входящий в студию мог сразу же увидеть ее. Разложенное на ней мясо должно было быть реальным настолько, насколько это возможно. Копченое и жареное, оно должно было выглядеть так, «чтобы у посетителя потекли слюнки, даже если он только что плотно и вкусно пообедал». И все ради того, чтобы страждущий потянулся к горячему аппетитному кусочку и встретил упругую и гладкую искусственную поверхность. Посетитель испуганно отдергивает руку – художник в восторге: в легкой игровой манере ему удалось напомнить об иллюзорности нашего мира.

С олденбурговской духовкой происходит то же самое, что и с пейзажами на картинах художников. Когда мы смотрим на настоящий холм с настоящим деревом, мы пытаемся понять, что же это за дерево? Если яблоня, то есть ли на ней яблоки и спелые ли они? А разглядывая холм на картине Коро или Рейнолдса, мы вешаем ярлык «шедевр». И тут же спешим на рынок покупать яблоки, совершенно забыв о «шедевре». То есть реальность для нас все-таки важнее искусства. Олденбург подменяет «шедевр» реальностью, но не вкладывает в эту подмену особого смысла. Художник показывает нам нашу жизнь, причем показывает так, что буквально на глазах жизнь становится искусством. Или все же искусство — жизнью?

В начале 1950-х появилась идея создания «мягких скульптур» — фирменного технического приема художника. При этом мягкость в данном случае — понятие не буквальное, скульптуры могли быть выполнены и из плотных материалов. Главное — впечатление мягкости, обтекаемость форм, округлые линии «плавящихся» предметов.

В начале 2000-х был отмечен резкий рост цен на работы художника. Сегодня графика Олденберга на мировых аукционах продается в широком диапазоне от 8 до 30 тысяч долларов. Цены на живопись высокого качества могут запросто «перешагивать» 500-тысячный рубеж.

Скульптуры Класа Олденбурга вызывают улыбку — памятник губной помаде в виде надувной трубы, мягкая печатная машинка из ткани, туалет из винила, похожий на детскую надувную игрушку. Особенно эффектны произведения Олденбурга, встроенные в городскую среду.

Гигантские кусачки, ножницы, зонты, шляпы, молотки по размерам сопоставимы со зданиями, рядом с которыми они расположены. Первый монумент «Бельевая прищепка» (Рис. 30) высотой более 12 м сооружен в 1976 году в Филадельфии. Скульптура похожа на великана, от которого остались лишь две колоссальных ноги.

Яркий пример дизайнерского решения городской среды — фонтан в саду. Скульптуры г. Миннеаполиса, созданный Олденбургом совместно со своей женой в 1985—1986 годах. Огромная ложка с вишенкой на фоне урбанистического пейзажа как атрибут Гулливера в стране лилипутов. Из черенка вишни бьет фонтан, создавая вокруг ложки прозрачную ауру из капель. Разные ракурсы выявляют дополнительные эффекты -например, если смотреть на ложку снизу, как бы из-под нее, то она кажется башней с красным навершием и кривой трубой черенка вишенки.

Во взаимодействии с рекламой, искусство само стало рекламой. На примере скульптур Олденбурга видно, как художественное произведение способствует решению дизайнерских задач. Не случайно вишенка в ложке была задумана как фонтан. Чаще всего именно фонтаны предоставляют возможности для создания объектов искусства в городской среде.

Еще один из знаменитых памятников Олденбурга – печать в Кливленде.

В нашей городской инфраструктуре, пожалуй, кроме машины над автосервисом, сами предметы редко выставляются для наружной рекламы. А ведь этот дизайнерский прием мог бы разнообразить архитектурное решение и привлекать внимание.

2.11 Дэвид Хокни

В одном из интервью Дэвид Хокни, британский прародитель поп-арта и один из самых влиятельных художников современности, так выразил свое художественное кредо: «Я согласен со старой китайской истиной: живопись требует трёх вещей: руки, глаза и сердца».

В хрестоматийных работах, таких как «Большой всплеск» или «Политая лужайка», смешивая простые формы и сложные движения, Хокни изменил представление о самом себе, и стал самым известным живописцем. Существенное влияние на сюжеты и манеру письма художника оказали как яркие калифорнийские краски, так и прямоугольная архитектура калифорнийских зданий. В его работах преобладают орнаментальные элементы, они выдержаны в ярких, прозрачных красках и создают эффект переменчивости пространства и света.

«Всплеск» — без сомнения, одна из самых значимых работ в живописи 60-х. Когда абстрактный экспрессионизм уже задыхался от собственных художественных методов и «серьезной искренности», Хокни с беспрецедентными жизненной силой и новаторством передал на холсте иллюзию света, пространства и объема. «Я писал „Всплеск“ около двух недель. Прежде всего, мне нравится идея, как Леонардо изучал воду, эти спирали... А во-вторых, я хотел изобразить что-то, что длится всего две секунды. Мне потребовалось две недели, чтобы написать двухсекундный всплеск воды. Все знают, что всплеск не может застыть, — вот почему картина поражает больше фотографии»

Двойные портреты стали визитной карточкой Хокни – в них он исследует не только личности героев, но и их отношения друг с другом. Наряду с матерью, главная женская модель Хокни – его давняя подруга Селия Бертвелл, текстильный дизайнер. В 1969-м она вышла замуж за модельера Осси Кларка, вместе они открыли знаменитый бутик «Кворум» и стали ключевыми фигурами лондонской жизни рубежа 60-70-х. Хокни знал Осси Кларка с начала 60-х, когда тот учился в Королевском художественном колледже. Картина «Мистер и миссис Кларк и их кот Перси» написана в той же позе, в которой он застал Осси и Селию в их доме в Ноттинг-хилле. Осси только что проснулся, закурил и взял кошку на руки. Хокни воскликнул: «Это отлично!», и сделал фотографии и наброски. Хокни вспоминал, что портрет получился оттого, что «вы чувствуете присутствие двух людей и их непростые отношения. Осси сидит с кошкой, Селия стоит. Хотя мы понимаем, что должно быть наоборот». На стене как подзаголовок к картине висит собственная гравюра Хокни. Работа исследует не только взаимоотношения Кларков, но и их отношения с художником и зрителем. Чувствуется увеличивающаяся между ними пропасть – вскоре после завершения картины они расстались. Над картиной он работал больше года и в ней, по его словам, «ближе всего приблизился к натурализму».

В одном из выпусков влиятельного журнала «Art Review» был опубликован список ста лиц, чья деятельность оказалась революционной для художественного рынка и визуального искусства нашего времени. В списке было всего семь художников и один из них - Дэвид Хокни. Сегодня он пишет акварелью и маслом йоркширские пейзажи, относясь к ним со всей серьезностью.

Заключение

Художники поп-арта различны и своеобразны по своему стилю. Например, Том Вессельман использовал сплошные, ровные цвета. А Рой Лихтенштейн свои рисунки делал похожими на газетную печать. Энди Уорхол создавал шелкографические серии, Роберт Раушенберг сочетал живописную технику с созданием объектов и инсталляций из самых различных материалов. Художник Рой Лихтенштейн использует картинки комиксов, а Клас Олденбург создавал объекты и инсталляции из самых различных материалов. Джеймс Розенквист пишет яркими, часто ядовито режущими глаз синтетическими красками огромные многометровые композиции, Джонс, один из первых художников использовавший для сюжета картины Государственный символ - флаг и т.д.

Какими бы разными ни были работы представителей поп-арта, все они несут определенную общую идею. А именно: донести до людей настоящие масштабы искусства, отвлечь их от классических канонов, расширить мировоззрение.

Библиографический список:

А. Толстой, Галактика поп-арта «Новая юность» 2001, №4(49)

Хоннеф, Клаус. Поп-арт / Под ред. Уты Гросеник. — Москва: Taschen / «Арт-родник», 2005

Маковский С.: Силуэты американских художников. – М.:Республика, 1999.

Вадим Алексеев "Дэвид Хокни: портрет художника в старости"

Журнал "АНГЛИЯ", 1972 г

Джордж Лeнc. Сто художников XX века

«Модернизм: Анализ и критика основных направлений». Под. редакцией В. В. Колпинского , издательство «Искусство» 1980

Бодрийяр Жан. Общество потребления. Его мифы и структуры. — М.: Культурная революция; Республика, 2006.

А.Д. Чегодаев «Искусство Соединенных Штатов Америки от войны за независимость до наших дней». М., 1960

Борзова Е.П. «История мировой культуры». 2-е изд., стер. - СПб.: Издательство «Лань», 2002.

Список сайтов:

http://www.indexmarket.ru/reading/?content=doc&id=117

http://popart.com.ru/chto.php

http://hudozhnikam.ru/interesno/i1.html

http://www.coll.spb.ru/public/251.php

http://warhol.org.ru/gallery/

http://www.proza.ru

http://www.indexmarket.ru/

http://www.google.ru/imghp?hl=ru&tab=wi

http://artpages.org.ua/palitra/devid-hokni-dolgaya-doroga-domoy.html

http://hudozhnikam.ru/

Ссылки (links):

http://popart.com.ru/chto.php

http://hudozhnikam.ru/interesno/i1.html

http://www.coll.spb.ru/public/251.php

http://warhol.org.ru/gallery/

http://www.proza.ru/2010/05/01/768

http://www.indexmarket.ru/

http://www.google.ru/imghp?hl=ru&tab=wi

http://artpages.org.ua/palitra/devid-hokni-dolgaya-doroga-domoy.html

http://hudozhnikam.ru/