Итальянский театр эпохи Возрождения

Содержание
Введение
Театр Возрождения
Италия
Комедия Дель Арте
Появление диалога
История Итальянского театрального Возрождения
Итальянский пролог
Пастораль
Литература

Введение
Возрождение — качественно новый этап в истории западноевропейской культуры. Суть его — переход от эпохи средневекового видения мира к культуре Нового времени. Переход этот совершался во всех областях мировоззрения и мироощущения человека — в науке, религии, искусстве. Развитие театра произошло позже расцвета других искусств. Драматургия поэтому могла использовать многое из того, что было создано литературой Ренессанса, а театр — достижения живописи.
Ярче всего этот «культурный переворот» выразился в изменении целей и способов творческой деятельности. Новые методы приобретения научных знаний и образования, новая изобразительная система в живописи, новые жанры в театре, новые формы социального поведения.
Культурное движение Возрождения, несмотря на формулу, заключенную в названии, было не возвращением античности (человечество не может вернуться к своему прошлому), а диалогом античной философии и эстетики, христианского мировидения и реалистического сознания нарождавшегося буржуазного общества. В этом диалоге рождались гармония реального и идеального, материально-природного и духовно-божественного, рождался новый тип эстетического сознания.
Эпоха Возрождения была не временем воскрешения античной древности, а эпохой рождения принципиально новой европейской культуры.

ТЕАТР ВОЗРОЖДЕНИЯ – европейский театр в историческую эпоху позднего средневековья (16–17 вв.). Это было время формирования нового социального строя, замены феодальной общественной формации на капиталистическую. Эпоха Возрождения ознаменовалась не только формированием нового гуманистического мировоззрения, но и многими великими открытиями и изобретениями, а также – бурным всплеском развития культуры и практически всех видов искусства.
Термин «Возрождение» или «Ренессанс» (франц. renaissance – возрождение) ввел в культурный контекст Джорджо Вазари. В термине отразилась главная тенденция искусства той эпохи – ориентация на классические образцы античного искусства, которое на протяжении десяти веков (после падения Римской империи в 5 в.) фактически находилось под запретом.
Если в эпоху средневековья господствующее мировоззрение определяется конфликтом между духовным и плотским, между Богом и дьяволом, то в Возрождении основная доктрина заключена в гармонии, свободе, всестороннем развитии личности. На смену средневековым идеалам фанатического аскетизма приходят гуманистические идеалы, в центре которых – образ человека, свободного в своих мыслях и чувствах, хозяина своей судьбы, излучающего радость полнокровной жизни.
Ренессансный театр в разных странах Западной Европы имел свои индивидуальные особенности, прочно вписанные в социокультурный аспект развития своей страны и резко отличающие его от театра Возрождения иных стран. Наиболее интересно и показательно ренессансный театр развивался в трех странах Западной Европы, причем основные линии развития имеют между собой очень мало общего.
ИТАЛИЯ
Развитие нового театра, как и других видов искусств, началось в Италии. Именно там возникли новые формы театра и драматургии. Главные достижения театра приходятся на заключительный этап эпохи Возрождения — конец XVI и первую половину XVII веков. Это уже не Ренессанс, а послеренессансный период, в котором получили развитие новые художественные направления.
Итальянский театр в эпоху Возрождения существовал в двух разных обличиях: шли спектакли при дворах итальянских князей для избранной аудитории и представления на городских площадях.
В придворных спектаклях участвовали любители, представления не имели регулярного характера, их приурочивали к карнавальным празднествам. Сначала читали в лицах комедии римских авторов. Потом, так как латынь была непонятна, их стали переводить на итальянский язык, появились подражания. При дворах стали ставить пьесы итальянских гуманистов — комедии, трагедии, пасторали. (Пастораль, как и жанры комедии и трагедии, была связана с античной поэзией; в ней давалось идиллическое изображение мирной пастушеской жизни и идеальной любви.) Наибольший успех имел жанр комедии, может быть, потому что он больше других соприкасался с реальной действительностью. Этот род драматургии получил название «ученая комедия», потому что ее создателями были ученые-гуманисты и рассчитана она была на ученую публику.
Первая знаменитая «ученая комедия» принадлежала Лудовико Ариосто (1474-1533) — придворному комедиографу феррарского герцога, автору всемирно известной поэмы «Неистовый Роланд». Его «Комедия о сундуке», поставленная в 1508 г., была написана еще по римскому образцу, но имела самостоятельный сюжет и явное отношение к современному итальянскому быту.
У Ариосто было много последователей, при дворах итальянских князей ставилось множество пьес, в основном комедийного жанра, в великолепных декорациях и с роскошными костюмами.
На фоне этих развлекательных пьес выделяется комедия Никколо Макиавелли (1469-1527) «Мандрагора». Под пером этого серьезного писателя сама комедия становится серьезней, окрашивается сарказмом. Жанр сатирической комедии стал разрабатываться и другими писателями Возрождения.
«Ученая комедия» послужила развитию комедийного жанра в Европе. Даже Шекспира и Мольера можно считать ее учениками.
В придворном театре Позднего Возрождения широко распространяется жанр пасторали, удаленный от злобы дня и политических интриг. Пастораль с ее радостным приветствием жизни и человеческого чувства, культом утонченной идеальной любви, благородства избранных натур, отчуждением от всего грубого и реального в стилизованной форме изображала идеализированные аристократические нравы. Большой славой пользовалась пьеса «Аминта» Торквато Тассо (1544-1595), названная по имени главного героя пастуха Аминты, влюбленного в нимфу. Итальянская пастораль была воспринята многими европейскими драматургами XVI-XVII веков.
Высшим достижением итальянского театра эпохи Возрождения была народная комедия дель арте — комедия масок. Именно она способствовала превращению любительских спектаклей в профессиональное сценическое искусство. Новый народный театр рождался самостоятельно, в отрыве от литературной драматургии писателей-гуманистов. Спектакли ставились во время праздников на площадях и улицах города. У них были разные названия: мистерии, священные представления, празднества. В их основе лежали религиозно-нравоучительные инсценировки эпизодов Священного Писания.
КОМЕДИЯ ДЕЛЬ АРТЕ (commedia dell'arte); другое название – комедия масок, – импровизационный уличный театр итальянского Возрождения, возникший к середине 16 в. и, по сути, сформировавший первый в истории профессиональный театр.
Комедия дель арте вышла из уличных праздников и карнавалов. Ее персонажи – некие социальные образы, в которых культивируются не индивидуальные, а типические черты. Пьес как таковых в комедии дель арте не было, разрабатывалась только сюжетная схема, сценарий, который по ходу спектакля наполнялся живыми репликами, варьировавшимися в зависимости от состава зрителей. Именно этот импровизационный метод работы и привел комедиантов к профессионализму – и в первую очередь, к выработке ансамбля, повышенному вниманию к партнеру. В самом деле, если актер не будет внимательно следить за импровизационными репликами и линией поведения партнера, он не сможет вписаться в гибко изменяющийся контекст представления. Эти спектакли были излюбленным развлечением массового, демократического зрителя. Комедия дель арте вобрала в себя опыт фарсового театра, однако здесь пародировались и расхожие персонажи «ученой комедии». Определенная маска закреплялась за конкретным актером раз и навсегда, однако роль – несмотря на жесткие типажные рамки – бесконечно варьировалась и развивалась в процессе каждого представления. Число масок, появлявшихся в комедии дель арте чрезвычайно велико – более сотни. Однако большинство из них было скорее вариантами нескольких основных масок.
У комедии дель арте было два основных центра – Венеция и Неаполь. В соответствии с этим сложились и две группы масок. Северную (венецианскую) составляли Доктор, Панталоне, Бригелла и Арлекин; южную (неаполитанскую) – Ковьелло, Пульчинелла, Скарамучча и Тарталья. Стиль исполнения венецианской и неаполитанской комедии дель арте тоже несколько различались: венецианские маски работали в преимущественно в жанре сатиры; неаполитанские использовали больше трюков, грубых буффонных шуток. По функциональным группам маски можно разделить на следующие категории: старики (сатирические образы Панталоне, Доктор, Тарталья, Капитан); слуги (комедийные персонажи-дзанни: Бригелла, Арлекин, Ковьелло, Пульчинелла и служанка-фантеска – Смеральдина, Франческа, Коломбина); влюбленные (образы, наиболее близкие героям литературной драмы, которых играли только молодые актеры). В отличие от стариков и слуг влюбленные не носили масок, были роскошно одеты, владели изысканной пластикой и тосканским диалектом, на котором писал свои сонеты Петрарка. Именно актеры, исполнявшие роли влюбленных, первыми отказались от импровизации и начали записывать тексты своих персонажей. Авторами сценариев чаще всего бывали главные актеры труппы (capo commico). Первый печатный сборник сценариев был выпущен в 1611 актером Фламинио Скала, который руководил известнейшей труппой «Джелози». Другие наиболее известные труппы – «Конфиденти» и «Федели».
Итальянская комедия дель арте дала целое созвездие блистательных актеров (многие из которых были первыми теоретиками сценического искусства): Изабелла и Франческо Андреини, Джулио Паскуати, Бернардино Ломбардии, Марк-Антонио Романьези, Николо Барбьери, Тристано Мартинелли, Тереза, Катарина и Доменико Бьянколелли, Тиберио Фьорилли и др. С конца 16 в. труппы стали широко гастролировать по Европе – во Франции, Испании, Англии. Ее популярность достигла своего пика. Однако к середине 17 в. комедия дель арте начала приходить в упадок. Ужесточение политики церкви по отношению к театру вообще, и к комедии дель арте особенно, привело к тому, что комедианты оседали в других странах на постоянное местожительство. Так, скажем, в Париже на основе итальянской труппы был открыт театр «Комеди Итальенн». На сцене комедии дель арте были выработаны и закреплены главные законы театра — непрерывность развивающегося действия, коллективность творчества, связанность сценической игры партнеров. Само сценическое искусство в эпоху
ПОЯВЛЕНИЕ ДИАЛОГА
Средневековый театр в своем развитии шел тем же путем, что и живопись. Все участники события одновременно появлялись перед зрителем (так же, как на одной иконе изображались разновременные события), каждый занимал свое постоянное, ему отведенное место. Сцена состояла из отдельных условных сооружений, которые означали различные места, где происходило действие: Иерусалим, Голгофу, Рай или Ад. Эти представления не знали развития действия, происходящего перед глазами зрителя. Персонажи не обладали самостоятельными характерами, каждый выполнял предназначенную ему роль: Иуда — предатель, Мария Магдалина — раскаявшаяся грешница. Между актерами не было настоящего диалога, своими репликами, часто обращенными к зрителю, они сообщали то, что собирались совершить.
Перелом в развитии средневекового театра наметился на рубеже XIII-XIV веков. Актеры стали пытаться наглядно представить все то, о чем повествуется в Писании. Между актерами завязался живой диалог. Действие разворачивалось перед глазами зрителя в живой и наглядной форме. Для подъема и спуска актеров, например, стали устраивать специальные механизмы. В XV-XVI вв. занавес отделил пространство зрительного зала от действия на сцене. В спектакли проникало все больше бытовых, мирских, комических эпизодов. Из них развились комические пьесы — фарсы, как их называли в Италии. Это небольшие сценки бытового характера, где действующими лицами были крестьяне, горожане, священники и рыцари. Игра была шумной, крикливой, площадной. Исполнители — любители из горожан — постепенно превращались в профессиональных актеров. Профессиональные актеры были хорошими импровизаторами. Они представляли традиционные маски-типы, пришедшие из городских карнавальных зрелищ: Арлекино, Коломбину, Панталоне. Артисты заменяли автора и представляли спектакли без написанного сценического текста. Эти представления были полны веселья, острословия, буффонады; актеры использовали народную лексику, давали меткие характеристики реальным персонажам. В спектаклях было много песен, танцев, комических трюков, ни на минуту не затихал озорной дух творческой инициативы. Краткая сюжетная схема разворачивалась в импровизированный спектакль. Актеры часто подвергали фарсовой карнавальной обработке заимствованные сюжеты новелл, «ученой комедии», современной поэзии. С начала XVII века стали издавать сборники сценариев, так как число трупп увеличилось и не всякий коллектив был способен на самостоятельное сочинение. Бродячие труппы актеров подвергались гонениям со стороны властей, некоторые сценарии были занесены в Индекс запрещенных книг. Но итальянские труппы стали выступать во Франции, Испании, Англии. Их творчество оказало влияние на национальный театр этих стран. Особенно заметно это влияние сказалось на драматургии Мольера. Реалистические традиции комедии дель арте сохранились и в творчестве итальянских драматургов и актеров Нового времени.
ИСТОРИЯ ИТАЛЬЯНСКОГО ТЕАТРАЛЬНОГО ВОЗРОЖДЕНИЯ
Обращение к идеалам античности в итальянском искусстве началось практически на несколько веков раньше, нежели в остальной Западной Европе – сначала в литературе, потом в изобразительном искусстве (13 в. –Данте Алигьери; 14 в. –Франческо Петрарка и Джованни Боккаччо; 15 в. –Микеланджело Буонарроти и Рафаэль Санти). Для итальянцев Ренессанс стал возрождением своих собственных традиций, своего собственного культурного наследия. Однако история итальянского театрального Возрождения весьма парадоксальна: итальянский Ренессанс, с его непревзойденными шедеврами изобразительных искусств – живописи, скульптуры – не дал ни одного драматурга, равного по масштабам творчества Шекспиру (Англия), Лопе де Вега или Кальдерону (Испания). В культурологической и искусствоведческой литературе широко исследовались причины этого парадокса. Основными из них принято считать две – во многом взаимосвязанные.
Первая объясняет это явление с точки зрения видовых особенностей театра. В основе театрального действа всегда лежит конфликт – принципиальная движущая сила театрального произведения, как пьесы, так и спектакля. Однако понятие конфликта само по себе противоречит мировоззренческим идеалам гармонии, мощно звучащим в итальянской литературе и изобразительном искусстве.
Вторая причина основывается на принципах социального функционирования театрального искусства. Для его расцвета необходима некая идея, объединяющая разные слои общества, национальное самосознание, т.н. «широкий народный фон». Однако в 14–15 вв. итальянцы чувствовали себя скорее гражданами отдельных городов, чем всей страны.
И все же здесь, именно в Италии, были заложены основы нового гуманистического театра: возрождены комедия, трагедия, пастораль; создана опера; построены первые театральные здания; разработаны принципы профессионального сценического и площадного театра, дан толчок к теоретическому осмыслению драматургических канонов.
Развитие ренессансного итальянского театра в основном шло по двум линиям: т.н. «ученой комедии» – la commedia erudite (к этой же линии с некоторой натяжкой можно отнести и литературную трагедию) и народного импровизационного театра –Комедия дель арте, оказавшей огромное влияние на развитие всего мирового театрального искусства.
Итальянская «ученая комедия», к созданию которой обращались крупные писатели и мыслители 15–16 вв Лудовико Ариосто, Никколо Макиавелли, Пьетро Аретино, Джордано Бруно), представляла собой преимущественно догматические перепевы античных сюжетов и была рассчитана скорее на академический интерес узкого круга ученых и просветителей. Те же тенденции свойственны и итальянской ренессансной трагедии (Джан-Джорджо Триссино, Джованни Ручеллан, Луиджи Аламанка, Торквато Тассо и др.). К концу 16 в. развитие итальянской ренессансной комедии и трагедии практически завершилось. Зато к этому времени окреп и получил большую популярность третий жанр итальянской драматургии – пастораль.
Самой же яркой страницей итальянского Возрождения был тогда и остается импровизационный уличный театр масок – комедия дель арте, по сути, сформировавший первый в истории профессиональный театр.
ИТАЛЬЯНСКИЙ ПРОЛОГ
Национальное искусство сцены, не оглядывавшееся на античные образцы, создали комики потешники, актёры и шуты. Они играли, ловя реакцию зрителей, импровизировали, руководствуясь собственной интуицией. Разыгрывались чаще всего смешные, а иногда и грустные, драматические сценки из жизни современников - горожан и сельских жителей, купцов, ремесленников и бродяг. Сюжеты представлений были просты. Молодые стремились жить, как хочется, не слушали старших, веря своей страсти. Старики заглядывались на юных красавиц, слуги плутовали и выкручивались, кто как умел, богатые боялись потерять деньги, а бедные были не прочь жить по лучше и изобретали разные способы, чтобы разбогатеть. Постепенно в спектаклях появились постоянные персонажи - маски: Арлекин, Бригелла, Коломбина, Пьеро и др. Такой театр получил название комедия делъарте (cornmedia dell'arte), или комедия масок. Каждый персонаж имел свою маску характер и настоящую маску, часть костюма. Последняя указывала на особые качества героя: профессиональную принадлежность (доктор, философ - обязательно в очках), социальный тип (хозяин, купец, иностранец). Маски, изготовленные из материи или папье-маше, обычно закрывали лицо до половины. Актёр, один раз выбрав героя, как правило, оставался верен ему на протяжении всей жизни на сцене. Спектакли, заразительные и трогательные, мастерски разыгранные, чаще всего смешные, смотрели зрители Апеннин, а позже - вплоть до конца XVIII в. - почти во всех городах Европы. У публики, по свидетельству очевидцев, "все челюсти болели от смеха".
Под влиянием античного искусства возник такой жанр, как пастораль(фр. pastorale, от лат. pastoralis -"пастушеский"). Источник пьес тоже античный - буколическая (от греч."буколикос" - "пастушеский") поэзия, повествующая о бесхитростных забавах пастухов и пастушек. На зелёных лугах, под добрым и теплым солнцем герои пасторалей пребывали во власти идеальной, чистой любви. Если в комедиях персонажи заботились об усладах тела, то здесь грезили о духовных пирах. Один из величайших поэтов эпохи Возрождения - Торквато Тассо (1544-1595) подарил европейскому театру полную лиризма и светлого поэтического чувства пасторальную драму "Аминта" (1573 г.), в которой рас сказал о благородной и жертвенной любви пастуха Аминты к нимфе Сильвии. Драматургия всегда требует сцены: персонажей зрители должны видеть и слышать. Учёные комедии разыгрывались во дворцах знатных вельмож. Примеры, как обустроить сценическую площадку, театр Возрождения находил в античности. На первых порах архитекторы и художники пре вращали декорации в украшение, монументальное и роскошное. Художники использовали открытые в эпоху Возрождения законы перспективы, стремились соединить античный амфитеатр с кулисами щитами, на которых рисовали картины, обозначавшие место действия. Опыты эти не всегда были удачными: декорации становились самоцелью, существовали сами по себе и актёры терялись на их фоне. В спектаклях участвовали, как правило, аристократы и придворные либо горожане.
Первыми подлинными профессионалами стали исполнители комедии масок в середине XVI в. Как только появились актеры профессионалы, был написан и первый в истории театра трактат под названием "Беседы о сценическом искусстве", где давались советы актёрам по поводу мимики и голоса.
ПАСТОРАЛЬ, пастушеская драма (от лат. pastoralis – пастушеский). Термин имеет несколько значений.
1. Жанр придворного театра, возникший в Италии в 16 в. и получивший распространение в странах Западной Европы. Пастораль представляла собой небольшую пьесу, часто вводившуюся в программу придворных празднеств. В ней изображалась сельская жизнь галантных пастухов и пастушек, наделенных манерами, чувствами и лексикой аристократии.
Пастораль фактически ведет свое начало не от истинно театральных жанров –комедии и трагедии, но от «пастушеской» поэзии (в частности, от Буколик Вергилия). В популярности пасторали мы находим косвенные свидетельства в пользу теории бесконфликтности театра итальянского Ренессанса. Пастораль рисовала особый, приукрашенный, идеализированный мир, не имеющий никакого отношения к реальной действительности. Именно пастораль в наибольшей степени соответствовала цельному и гармоничному ренессансному мироощущению, – и фактически разрушала театральное искусство, превращая спектакль в «живые картины». Тем не менее, пастораль сыграла существенную роль в истории и теории мирового театра. В пасторали окончательно закрепился драматургический канон, разработка которого была начата в ренессансной итальянской трагедии, а позже – была доведена до совершенства в теоретических работах французских классицистов: пятиактная структура, единство места, времени и действия, строгое социальное разделение персонажей по жанрам.
Первые итальянские пасторали – Эгле Дж.Чинтио, Аретуза Лоллио, Жертвоприношение Беккари. Ранние пасторали подготовили появление наиболее ярких итальянских произведений жанра: Аминта Тассо (1573), Верный пастух Гварини (1590). В Испании в жанре пасторали работали Х. дель Энсина, Л. де Руэда и др. драматурги; в Германии – М.Опиц; во Франции – О.Ракан, Ж.О.Гомбо, Ж.Мерре; пасторальные комедии-балеты писал и Мольер (Мелисерта, Комическая пастораль и др.).
Поначалу пасторали исполняли придворные-любители. Позже в них стали принимать участие и профессиональные актеры. Большое внимание (как, впрочем, и во всех жанрах придворного театра) в пасторали уделялось постановочным эффектам и нарядным пейзажным декорациям.
2. Небольшая опера, пантомима, балет, написанные на сюжеты из сельской жизни. Первые пасторали, возникшие в 14–15 вв. являются предшественниками классической оперы (например, французское «представление с песнями» Сказание о Робэне и Марион). В музыкальном театре пастораль сохранилась до 18–19 вв. (опера Моцарта Король-пастух, 1775; балет Делиба Сильвия, 1876; и др.).
3. Симфонический эпизод в музыкально-сценическом произведении, рисующий картины природы (например, пастораль в музыке Ж.Бизе к Арлезианке А.Доде).
Обращение писателей-гуманистов к античной традиции в эпоху Возрождения вызвало расцвет пасторали во всех ее разновидностях. Тому доказательство: эклоги Петрарки (между 1346 — 1348 гг.); пасторальная аллегория Дж. Боккаччо «Амето» (ок.1341-42), его же пасторальная поэма в октавах «Фьезоланские нимфы» (ок.1345), «Аркадия» (опубликована в 1504) Я. Саннадзаро. На пастораль Саннадзаро ориентировались все авторы так называемых «пасторальных романов» (сами они называли свои сочинения «эклогами»): португало-испанский прозаик и поэт Хорхе де Монтемайор, написавший первый пасторальный роман — «Диану» (1559?), его продолжатели Хиль Поло, Сервантес, Лопе де Вега, Ф. Сидни, О. д'Юрфе. Пасторальный роман — существеннейший этап формирования романа Нового времени: «Дон Кихот» Сервантеса превращается в «роман сознания» во многом благодаря наличию в нем пасторального плана.
Поначалу пасторальное направление, получило наиболее яркое выражение в поэзии - в произведениях Боккаччо («Амето», «Фьезоланские нимфы») и в лирике петраркистов. Но вскоре родился и новый драматургический жанр.Из всех жанров пастораль оказалась, пожалуй, сценически наиболее напряжённой. Сказывался опыт, перенятый у трагедии и комедии.В атмосфере общественного застоя, который не благоприятствовал развитию трагедии и комедии, пастораль стала излюбленным жанром. Она приносила отдохновение от мирских забот. Она создавала видимость желанной гармонии.

Литература
1. Алпатов М.В. Художественные проблемы итальянского Возрождения.—М., 20066.
2. Андреева М., Антонова А., Дмитриева О. Рассказы о трех искусствах. — Л., 2005
3. Джорджо Вазари. Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих эпохи Возрождения.—Спб., 2002.
4. Ильина Т.В. История искусств. Западноевропейское искусство. — М., 2003.
5. История искусства зарубежных стран. Средние века. Возрождение. Под ред. Ц. Г. Нессельштраус. — М., 2002.
6. Кузнецов Б. Г. Идеи и образы Возрождения.—М., 2006.
7. Этюды об изобразительном искусстве (книга для учащихся). — М., 2003.